Sexto Sentido, Inquebrantable, Señales, El Pueblo, La Visita, Fragmentado, Glass, Después de la Tierra… ¿cuál es la mejor (y la peor) película de M. Night Shyamalan?
Shyamalan es como Tim Burton. Ha sido amado y odiado a partes iguales, y su renacimiento se celebra cada dos años como una tradición cinéfila. En 30 años de carrera (20 de ellos en el ojo público) y 14 películas (aunque dos, anteriores a Sexto Sentido, han quedado bastante olvidadas), el director ha experimentado todas las tonalidades del arcoíris hollywoodense.
La gloria, el éxito, el prestigio, el título de nuevo Spielberg: los obtuvo con Sexto Sentido, y en menor medida con Inquebrantable y Señales. La vergüenza, las burlas, el rechazo: le tocó vivirlo con La Joven del Agua, Fenómenos, El Último Maestro del Aire y Después de la Tierra. El regreso, el renacer, el re-salto al éxito: La Visita, Fragmentado, Glass.
Tras la (grande) decepción de Viejos, Shyamalan regresa con Knock at the Cabin (en cines el 1 de febrero). Es una buena ocasión para preguntarnos cuáles son las mejores películas del director y cuáles son imposibles de salvar. ¡Y cuidado, puede haber algunos spoilers de las películas!
ORANDO CON IRA
- Estreno: 1993 (Estados Unidos)
- Duración: 1h47
Probablemente la película más personal de Shyamalan, ya que el joven cineasta se apoya en gran medida en su propia experiencia de vida al realizarla, guionizarla, producirla e incluso interpretar al protagonista. Orando con ira narra la historia de Dev, un joven indo-americano que regresa a India para descubrir sus raíces y sufre un choque cultural. Deberá tomar decisiones, hacerse consciente de una realidad que no había considerado y luchar entre sus impulsos violentos y su búsqueda de una serenidad existencial.
La verdad, Orando con ira es un casi filme de estudiante, rodado con recursos limitados y un financiamiento ridículo (Shyamalan pidió a sus padres que produjeran su película porque no tenía otros medios para hacerlo). Y, evidentemente, en el sentido narrativo, tiene todos los defectos de un primer filme de aprendizaje: una voz en off bastante pomposa, un ritmo muy inestable, una cierta megalomanía y, en general, una falta de sutileza grosera (lo que no mejorará en el futuro, por cierto).
No obstante, detrás de su guion poco memorable, que ya aborda algunas de sus temáticas fundamentales (la creencia, el misticismo, las presencias sobrenaturales, la diferencia), Shyamalan ya revela un verdadero talento en la dirección (y eso, a pesar de un presupuesto tan escaso). La elegancia (ya muestra planes-secuencia regulares) y la pertinente elección de ciertos planos sorprenden, los simples movimientos de su cámara aportan tensión a las secuencias de forma natural. Lamentablemente, la inexperiencia del cineasta le impidió confiar en sí mismo, obligándose a explicar en exceso todo mediante diálogos.
¿Por qué ha sido olvidado? Es un gran misterio en la filmografía de Shyamalan, ya que Orando con ira había sido bien recibido durante su paso por el Festival de Toronto en 1992. Incluso ganó el premio a la «mejor primera película» en la sección de cineastas americanos independientes del American Film Institute Festival. Luego, tras su estreno en septiembre de 1993 y una recepción correcta, la película desapareció completamente del radar.
Treinta años después, la película es prácticamente irreconocible en calidad aceptable (de ahí la mediocridad de las fotos que ilustran esta parte del dossier, lo siento). Y aunque Shyamalan no habla mucho de ello, cuenta que fue en ese set donde tomó confianza en sí mismo, cuando uno de los ingenieros de sonido le dijo: “Me recuerdas a Steven Spielberg cuando vino a India a filmar Encuentros Cercanos del Tercer Tipo”. Eso no es poco en su carrera.
DESPIERTO
- Estreno: 1998 (Estados Unidos)
- Duración: 1h28
Curioso segundo filme que Despierto. Después de haberse retratado literalmente en su primer largometraje, M. Night Shyamalan sigue explorando su trayectoria con esta primera película de estudio (Miramax, que en aquel entonces estaba dirigido por un cierto Harvey Weinstein). La historia sigue a un joven llamado Joshua, cuya muerte traumática de su abuelo le lleva a cuestionarse sobre la muerte, la religión y, en general, la injusticia de la vida, al punto de intentar hablar directamente con Dios.
Sobre el papel, es un filme muy alejado de todo lo que Shyamalan realizaría en el futuro. Despierto es, de hecho, una pequeña comedia dramática, que sigue la evolución de su joven protagonista (en gran medida autobiográfica) a través de intercambios con su familia, los recuerdos de su abuelo (visiones que ya presagian Sexto Sentido) y su encuentro con Dave, su mejor amigo en una escuela católica, con quien va a hacer travesuras. En resumen, con Rosie O’Donnell como monja y profesora de deportes simpática, Despierto tiene aires de película familiar al estilo de Disney.
Sin embargo, se apoya evidentemente en temáticas que marcan toda la filmografía del cineasta, como su obsesión por la fe y la familia, y algunos guiños al futuro (las visiones fantasmales, pero también los superhéroes). Así que sí, Despierto no tiene nada excepcional y resulta bastante ordinaria, pero al relatar la historia a través de la perspectiva de su joven protagonista, Shyamalan logra ofrecer una obra bastante humilde, sincera y conmovedora. Y aunque la lección moral final resulta aburrida, Despierto sorprende por su capacidad de contar el dolor de un niño sin filtros, y presagia algo: Shyamalan sabe filmar a los niños como nadie.
¿Por qué todo el mundo lo olvidó? Simplemente porque fue asesinado por el famoso productor de la película: Harvey Weinstein. El rodaje tuvo lugar en 1995 y, al parecer, fue extremadamente complicado, no tanto por la ambición de la película (no hay mucha), sino por la malicia de Weinstein. Más tarde en su carrera, Shyamalan admitirá que lloró en el set después de reprimendas del productor.
Tras este rodaje difícil, la película tardó años en estrenarse. La postproducción concluyó en 1997 y finalmente se estrenó en Estados Unidos en 1998 en menos de 45 salas. Despierto fue un monumental fracaso de taquilla, recaudando 282,000 dólares con un presupuesto de seis millones. Probablemente por eso todo el mundo lo olvidó y Shyamalan prefiere no hablar mucho sobre ello. Hay que reconocer que hacer pensar a los espectadores que su primera película fue Sexto Sentido es mucho más glorioso.
SEXTO SENTIDO
- Estreno: 1999
- Duración: 1h47
¿Por qué Sexto Sentido es probablemente el mejor de Shyamalan? Es difícil saber por dónde empezar a alabar esta joya del cine fantástico. Quizás por su característica más evidente: su increíble capacidad de dar miedo. Seguimos a un psicólogo interpretado por Bruce Willis que intenta ayudar a Cole, un adorable niño interpretado brillantemente por Haley Joel Osment. ¿El problema de Cole? Ve a personas que están muertas (sí, el famoso meme), y esos pobres muertos vienen a buscarlo. Por citar solo una secuencia entre muchas del filme capaz de hacer temblar hasta a una gallina, el momento en que Cole ve a una familia ahorcada en la parte superior de la escalera de su escuela sigue siendo un pico de terror.
El segundo efecto fisiológico que la película puede provocar peligrosamente en el cuerpo de su espectador es la apertura de las válvulas lacrimales. Una de las últimas escenas muestra a Cole en el coche con su madre (la formidable Toni Collette) durante un diálogo en el que intenta hacerle entender que tiene un pequeño problema con fantasmas. Al explicarle lo que puede ser hermoso en su comunicación con los muertos, particularmente con aquellos que hemos amado, logra convencerla de que está diciendo la verdad. Es simple, esa secuencia tiene el poder de destruir el alma de cualquier persona que tenga una.
Casi lo mismo ocurre con el famoso giro, el padre de todos los giros, que ha entrado directamente en el panteón de los giros tanto que ha marcado a los espectadores a la salida del filme y hoy en día es más conocido que Jesús. Su dirección y los diálogos que lo revelan siguen siendo tan poderosos, y le otorgan siempre una emoción vertiginosa que culmina de manera brillante esta gran película.
¿Por qué Sexto Sentido no podría ser el mejor de Shyamalan, después de todo? Sexto Sentido forma parte de lo más alto de la carrera de Shyamalan, es cierto. Pero el director también ha sabido impactar (¿más fuerte?) con otras películas, y esta historia de fantasmas podría tener demasiadas debilidades (en realidad no, pero es parte del juego) para ocupar un lugar en el podio.
Al mirar de cerca su famoso giro, debemos preguntarnos si su efecto espectacular no es debido a demasiada artificialidad. Atención, las próximas frases revelan dicho giro: ¿es realmente creíble que un psicólogo haya pensado que la madre de su joven paciente no le dirigía la palabra, ni siquiera para explicarle la situación o llevarlo a casa? ¿Cómo pudo Malcolm pasar tanto tiempo sin intercambiar una palabra con su esposa y nunca sospechar que ella simplemente no lo veía?
Ciertamente, se dice que «los fantasmas solo ven lo que quieren ver». Pero en ocasiones, es audaz basar el guion en aproximaciones tan gruesas, que solo se justifican con una frase de Cole que, a su corta edad, debería haber comprendido toda la psicología de los difuntos que se ignoran. En general, Sexto Sentido nos pide cerrar los ojos ante muchas facilidades y recursos que casi podrían hacerla caer de su pedestal.
INQUEBRANTABLE
- Estreno: 2000
- Duración: 1h46
¿Por qué Inquebrantable es necesariamente el mejor de Shyamalan? Es quizás la película del director en la que más concuerdan los críticos. Película de superhéroes inteligente (en el sentido de que nadie lleva calzoncillos sobre el pantalón), Inquebrantable presenta un magistral duelo de actores: Bruce Willis como un serio agente de seguridad que lucha por aceptar su destino heroico, y Samuel L. Jackson como un coleccionista de arte enfermo que busca su rareza (y que nunca ha dicho tan poco «motherfucker» en su vida).
En esta narrativa arquetípica del estilo de Shyamalan, cada elemento responde a otro y cada imagen desempeña el papel de una pieza precisa en el rompecabezas de la historia. El personaje de Bruce Willis está escrito en negativo, en contraposición a otros superhéroes del cine, al definirse en función de todo lo que no es para entender mejor quién es.
En esta búsqueda de sí mismo, el personaje de Samuel L. Jackson actúa como un guía ambiguo que cuestiona las nociones de bien y mal, y explora sobre todo uno de los temas recurrentes de la mitología de los superhéroes: ¿y si cada justiciero fuese la razón de ser de un gran villano, y viceversa? Bajo su apariencia de thriller mezclado con drama familiar, Inquebrantable ofrece una reflexión apasionante, completa y conmovedora sobre la cultura pop y sus resonancias filosóficas.
¿Por qué Inquebrantable no necesariamente es el mejor de Shyamalan? Si, en el momento de su estreno, Inquebrantable pudo parecer innovador, su envejecimiento es evidente. No tanto en su argumento, que sigue siendo sólido, aunque el estilo Shyamalan haya inspirado tanto que ha perdido algo de frescura, sino más bien en términos visuales.
Por ejemplo, en la secuencia donde Bruce Willis se da cuenta de que, al contacto con las personas, puede tener visiones sobre sus crímenes. Dichas visiones representan un concentrado de anticuado en términos de representación de imágenes mentales: se abren y cierran en un destello, cada una tiene un elemento de color brillante para identificar al criminal en medio de una imagen desaturada (como las fotos en blanco y negro de Nueva York con un taxi amarillo brillante en el medio, que se encontraban en Gifi a principios de los 2000), y se asemejan en gran medida a flashbacks perezosos. Es un buen momento para recordar que los flashbacks son una plaga cinematográfica, y hay varios a lo largo de la película que revelan más una debilidad narrativa que un recurso estético.
Más allá del aspecto azulado-grisáceo visto y revisado en el 99% de las películas que coquetean con el género del thriller, Inquebrantable también peca por una débil escritura de personajes secundarios, en particular de Robin Wright Penn, que, más allá del carisma eterno de la actriz, resulta tristemente transparente. El personaje del hijo de la pareja, por su parte, sufre el tratamiento especial norteamericano de los personajes infantiles que carecen de lazo padre-hijo y se convierten en extremadamente irritantes.
SEÑALES
- Estreno: 2002
- Duración: 1h45
¿Por qué Señales es probablemente el mejor de Shyamalan? Todo el cine de Shyamalan está presente aquí, reunido en una película que ilustra sus cualidades como director, guionista y director de actores. En este Encuentros Cercanos del Tercer Tipo íntimo, se aferra a una familia para narrar una invasión alienígena, que es aún más aterradora porque permanece en gran medida fuera de campo (la televisión, la radio, y por lo tanto: todo es posible e imaginable).
Siguiendo la estela de Inquebrantable, Señales es una formidable demostración de su sentido de la dirección. Cada encuadre, cada movimiento de cámara y cada efecto de montaje están cuidadosamente orquestados y milimetrados. No hay ni una miga de más en este trabajo de orfebre, que culmina con las geniales apariciones de los alienígenas. Shyamalan solo necesita una silueta, una pierna o una mano (y un excelente trabajo de sonido, más la fantástica música de James Newton Howard) para generar una profunda angustia, que culmina con la aterradora escena del noticiero, donde el extraterrestre finalmente se revela.
Y detrás de la fuerza de esta pura película de terror e invasión, Shyamalan despliega su última carta: la emoción, que dicta esta narrativa de duelo y reconciliación hasta el final. A este respecto, Señales es probablemente su película más bella y pura, en gran parte gracias al cuarteto de actores. También es en la que aborda la fe (en un sentido amplio, no solo religioso) con más inteligencia, gracias a una narrativa donde todo tiene sentido. Y eso es perfecto, pues es exactamente lo que guía su guion: cada personaje, cada problema, cada detalle tiene un papel en este rompecabezas. Es posible ver en ello una especie de declaración de intenciones de todo su cine, que se basa en la importancia (y el deseo) de creer.
¿Por qué Señales también tiene sus defectos? Precisamente porque afirma y grita que todo tiene significado, Señales puede parecer un poco artificial y grosero en sus efectos (ya no es un rifle, sino un tanque de Chéjov a este nivel). En realidad, el verdadero problema de la película llega sobre todo en su parte final, cuando Shyamalan despoja el misterio mostrando larga y frontalmente al alienígena.
En la pantalla de televisión, el alienígena se veía a través de varios filtros (filmado con una cámara de mano, transmitido por el noticiero y visto en la pantalla del cine a través de la perspectiva del personaje de Joaquin Phoenix). En el gran final, está allí, casi desnudo y a la vista de miradas afiladas que pueden examinar los detalles y defectos. Tras haber jugado tan bien con las sombras, las siluetas y lo que queda fuera de campo, Señales termina con una imagen de torpeza inesperada. El encanto se rompe. Y es aún más triste que Señales haya costado la impresionante suma de 70 millones de dólares.
EL PUEBLO
- Estreno: 2004
- Duración: 1h48
¿Por qué El Pueblo es sin duda el mejor de Shyamalan? En la mayoría de sus películas, Shyamalan demuestra su obsesión por la creencia, y El Pueblo es la que trata la cuestión de la manera más inteligente y matizada. Al inventar una leyenda sobre criaturas que acechan un bosque cercano a un inocente pueblo, juega con los miedos infantiles del espectador: ¿quién, en esta situación, no volvería a creer en los monstruos y fantasmas? ¿Qué motiva realmente este miedo y qué puede superarlo? Una verdadera película de Halloween que no lo sabe, El Pueblo se sumerge en una atmósfera extraña y otoñal, hermosa para un juego de máscaras y de falsedades.
Le debemos a James Newton Howard la sublime banda sonora llena de violines, tierna y melancólica, que le da al filme una identidad particular y lo distingue de otras películas del género. Un género en realidad bastante indefinible, ya que Shyamalan terminó por crear, con El Pueblo, un modelo propio. Sin embargo, es quizás en el terror donde más tiende, con escenas cuyo suspense y las apariciones impactan tanto como maravillan.
Mención especial a la escena de ataque en el bosque, donde la dirección logra hazañas al abrazar sutilmente la «mirada» de Ivy, que es ciega. El golpe de genio de esta secuencia es dar toda su realidad a la leyenda de las criaturas en el bosque, después de haber hecho creer que este miedo no tiene razón de ser. Un casi-twist que puede ser aún más poderoso que EL giro, que ya de por sí es impresionante.
Añadir a todo esto un elenco estelar, que incluye a un Joaquin Phoenix callado pero conmovedor y a una Bryce Dallas Howard que representa la ceguera a la perfección (acompañados por nada menos que William Hurt, Sigourney Weaver, Adrian Brody y otros), y esto parece ser la película más completa, encarnada y firmada por su director.
¿Por qué El Pueblo no es para nada el mejor de Shyamalan? No es casualidad que El Pueblo haya sido un punto de inflexión en la carrera del director. Es, sin duda, el momento en que confió tanto en sí mismo, que olvidó ayudar al público a creer también.
Cuando Ivy finalmente sale del bosque para descubrir el engaño, y el público recibe a la vez una explicación extremadamente demostrativa, es como si toda la magia del cine de Shyamalan se desmoronara, y él mismo rompiera el hechizo con un gran movimiento de azar. Al desplegar un giro final que revierte toda su película (decorado, época, amenaza: al lado de eso, el de Sexto Sentido no es nada), obliga a ver toda la artificialidad. Cuestión que hace que, al final, la última parte de El Pueblo sea un festival de falsas notas.
Sí, la idea de El Pueblo es hermosa, rica y maliciosa. En teoría. Porque la ejecución es una serie de decisiones extrañas y dudosas. Media hora antes del final, la película revela que los monstruos no son más que ancianos disfrazados. A partir de allí, ¿cómo sentir el más mínimo escalofrío cuando Ivy se encuentra con uno en el bosque, especialmente a plena luz del día, donde se asemejan al mejor disfraz de Skeksis?
¿Cómo creer en un instante en la amenaza de esa gran cosa que comienza a correr para empujar a la heroína, con un lento y patético movimiento de cámara? Después de los sobresaltos horríficos de Señales, El Pueblo se siente fuera de lugar, con un misterio que nunca se sostiene, y un elenco de personajes secundarios completamente vacíos (una vergüenza dada la calidad del casting). Es un poco como si Shyamalan se hubiera ahogado en su declaración de intenciones, y hubiera olvidado todo lo demás (la película).
LA JOVEN DEL AGUA
- Estreno: 2006
- Duración: 1h49
¿Por qué La Joven del Agua es quizás un Shyamalan al que hemos sido demasiado severos? Para una parte del público y la prensa de la época, La Joven del Agua es la película que precipitó la caída del cineasta en la segunda parte de los 2000. Sin embargo, podría ser una de sus obras más sinceras y que más lo distingue de sus contemporáneos. Con una radicalidad que pocas películas de presupuesto medio de 70 millones de dólares han financiado hasta ahora, se atreve a construir su relato entero alrededor de una mitología maravillosa tratada con el absoluto primer grado, apertura incluida.
Aquí, la cuestión de la fe trasciende el ámbito religioso o sobrenatural. La credulidad de esta pequeña comunidad obligada a coexistir rara vez se pone en duda. Muy rápido, aceptan la naturaleza del personaje interpretado por Bryce Dallas Howard. Solo queda creer… en ellos, una idea de una ingenuidad refrescante, incluso bondadosa, simbolizada por el personaje de Paul Giamatti (excelente, como siempre). A pesar de que el peso de su pasado es algo caricaturesco, su trayectoria sigue siendo extremadamente conmovedora.
La mala recepción del filme es aún más cruel porque La Joven del Agua es, a todas luces, una de las obras más personales del autor. Él mismo se convierte en personaje incluso más que en sus otras películas estadounidenses, no tanto para ofrecer las claves de la narrativa como para participar tímidamente en esta experiencia colectiva de cuento. Si se hace a un lado sus evidentes defectos, su sinceridad se hace aún más hermosa.
¿Por qué La Joven del Agua es una de las peores de Shyamalan? Porque ahí fue cuando se quebró, en todos los niveles. Tras bambalinas, rompió con Touchstone Pictures (filial de Disney que estaba detrás de Sexto Sentido, Inquebrantable, Señales y El Pueblo), porque los productores tenían dudas serias sobre la calidad de su guion. La discusión se convirtió en un desacuerdo y luego en un divorcio público, siendo Shyamalan el que posteriormente criticó abiertamente a los jefes del estudio.
Directamente fue a la competencia, Warner Bros., que soltó más de 70 millones para La Joven del Agua. Esta sería su única colaboración, algo comprensible dado el fracaso de la película (alrededor de 72 millones en taquilla y una recepción desastrosa). Tendríamos que esperar al éxito de La Visita para que Shyamalan encontrara un verdadero hogar estable, en Universal, ya que entre ambos navegó todos los estudios (Fenómenos en Fox, El Último Maestro del Aire en Paramount, Después de la Tierra en Sony).
En pantalla, es también una fascinante catástrofe y una demostración de hubris, ya que Shyamalan cree tanto que vamos a creer que ni siquiera consideró otra opción. A este nivel, ya no es una profesión de fe, sino una crisis aguda de ego. Aunque insiste en el inicio sobre la noción de fábula, el director y guionista es incapaz de hacer que esta historia de ninfa sea mínimamente conmovedora y mágica. La idea de personajes-funciones es llevada hasta la caricatura, la dirección pierde brillo, y Shyamalan confirma, tras el alienígena de Señales, que tiene serias dificultades para integrar los efectos visuales en su universo.
Sin olvidar al personaje del crítico, que es menos un ataque a la profesión (tranquilos, ningún crítico de más de 16 años se ha sentido ofendido) que un testimonio de la necedad de Shyamalan, capaz de contaminar su relato para limpiarse los pies en aquellos que no lo adoran (ya sean los productores de Disney o los críticos que no han apreciado sus películas).
FENÓMENOS
- Estreno: 2008
- Duración: 1h26
¿Por qué Fenómenos es casi un buen Shyamalan? Hay que reconocer a esta película poco querida (con razón) algunas cualidades. La escena de introducción, por ejemplo. Ese momento en la calle, donde los trabajadores comienzan a caer uno a uno de un andamio para estrellarse en el suelo bajo las miradas horrorizadas de los transeúntes, y sin ninguna explicación aparente. Antes de que la escena comience a acercarse un poco al ridículo (sigue siendo Fenómenos), el efecto logra su cometido y mantiene al espectador pegado a su asiento.
En términos de mensaje, también hay que aplaudir el hecho de que la película dice en voz alta lo que todos piensan también, pero raramente se dice: la especie humana es el cáncer de este planeta y, si acaso, algún día, la naturaleza desarrollará un sistema de defensa para eliminarnos. Y, francamente, sería merecido. Entonces, aunque lo que se narra en la película puede horrorizar (esa ligera tendencia de la humanidad al suicidio), Fenómenos tiene el mérito de interrogar quién representa la verdadera amenaza y la legitimidad del castigo que puede caernos. Un buen punto para la conciencia ecológica y su explotación en forma de película semi-horrífica y semi-catastrófica.
Otro aspecto agradable: el casting. Mark Wahlberg hace su trabajo amablemente, Zooey Deschanel aprovecha uno de sus pocos papeles principales en el cine, y en medio, el demasiado raro John Leguizamo ofrece algunas buenas escenas. En particular, la secuencia de la fuga en coche: después de atravesar un bosque de ahorcados, su personaje comprende que su destino y el de los otros pasajeros está probablemente sellado. La tristeza y resignación que brillan en su rostro mientras intenta ser reconfortante constituyen probablemente la mejor actuación del film y merece que se reconozca a Fenómenos un estatus casi mejor que el de un fracaso.
¿Por qué Fenómenos confirmó la era de lo peor de Shyamalan? Bueno, ya, Mark Wahlberg mismo describió Fenómenos como «una «película mala» solo dos años después de su estreno, precisando que:
“Fenómenos. Dios. La película es lo que es. Dios, hombre, en serio, árboles. Plantas, ¿sabes? Al menos no se me podrá reprochar que intenté interpretar a un profesor de ciencias. Al menos no era un policía o un gánster.”
Dicho esto, dado que el actor piensa que su peor película es Boogie Nights, no es necesariamente el más creíble. Sin embargo, el octavo largometraje de Shyamalan representa perfectamente el desplome de su cine: cuando lo dramático se convierte en un objeto cómico. Porque, al ser completamente honesto, el comienzo de Fenómenos es de hecho muy logrado, o al menos muy intrigante, con esta sucesión de extraños suicidios humanos. Luego, probablemente por ambición – y a diferencia de su filmografía en ese entonces, que se aferraba a una esfera más íntima – Shyamalan decidió lanzarse en una amenaza de mayor escala.
Un error burdo, ya que su película R-Rated, la primera de su carrera (invitando entonces a una mayor violencia y oscuridad) falla en un sentido amplio. En lugar de ser inquietante o alarmante dada su fuerte temática, Fenómenos provoca más risas debido a sus situaciones ridículas (ese increíble momento en que los personajes deben correr más rápido que el viento o el momento en que Mark Wahlberg habla… con una planta). Así, el gran thriller apocalíptico se transforma en una inmensa rareza, e incluso en un trágico acto fallido.
EL ÚLTIMO MAESTRO DEL AIRE
- Estreno: 2010
- Duración: 1h43
¿Por qué puede que no sea la peor, sino solo una de las peores? En papel, adaptar Avatar: El Último Maestro del Aire en live action era una buena idea, si no una evidencia, dado que el material original es rico y se presta a un gran espectáculo hollywoodense, aún más con los planes de trilogía en el tintero. Y con los medios adecuados – es decir, 150 millones de dólares de presupuesto sin contar la inflación – el público tuvo derecho a bonitos efectos especiales, que han envejecido un poco hoy, pero siguen siendo ampliamente más aceptables que lo referente a todo lo demás.
Además de ser lógico desde un punto de vista narrativo y de marketing, la historia del pequeño Aang se presta perfectamente a las obsesiones del director sobre la fe (en un sentido amplio una vez más), ya que el Avatar debe ganar la confianza y los corazones del pueblo para que este crea de nuevo en él y en el mundo de los espíritus. Bueno, todo esto fue resumido en un final tan acelerado como aburrido, pero sigue siendo un buen comienzo de buena idea.
¿Por qué El Último Maestro del Aire es sin duda lo peor de Shyamalan? Aunque solo adapta el primer libro de la serie animada, el hecho de que El Último Maestro del Aire haya condensado su relato en solo 1h44 fue claramente un signo anticipador del naufragio. Con tan poco tiempo y tantos elementos (sin juegos de palabras) a presentar, la película acaba destrozando su historia y todo su potencial dramático, cuando el guion no dejó espacio para el humor y los momentos de ligereza de la obra original. Todo es desesperadamente de primer grado y falsamente lírico, con personajes subdesarrollados.
Las escenas se suceden a un ritmo frenético, sin ofrecer el más mínimo respiro que permita a los personajes crear un inicio de complicidad (¡Katara le pregunta su nombre a Aang tras veinte minutos de película y después de decidir seguirlo en su viaje!). Ya sea Aang, Zuko o Sokka, todos los personajes son antipáticos e increíblemente aburridos. Por lo tanto, el universo fantástico nunca logra cobrar vida, cada especificidad de la mitología es despachada en tres líneas de diálogo para rapidement¡ pasar a lo siguiente.
Las peleas están ultra-coreografiadas; los actores son tan monolíticos y desconectados de lo que ocurre frente a ellos que parece que están siendo forzados a participar en esta mascarada, mientras que la cámara y el montaje nunca logran instalar la más mínima energía y animar la acción sobrecoreografiada, que siempre se siente plana y al borde de la hipoglucemia. Los diálogos son, por su parte, soporíferos, si no son de un ridículo abrumador.
Al final, la película fue nominada en 8 categorías para los Razzie Awards (y se llevó cinco por sí sola), matando en su origen las dos secuelas planeadas. De hecho, eso es lo que se recuerda como lo más positivo.
DESPUÉS DE LA TIERRA
- Estreno: 2013
- Duración: 1h40
¿Por qué Después de la Tierra es quizás la más divertida de las malas de Shyamalan? Es difícil, si no imposible, defender sinceramente Después de la Tierra, dirigida con un primer grado asombroso que transforma la experiencia en una alucinación. Pero no es solo una burda historia de relaciones padre-hijo perfectamente tóxica (reprime tus emociones y tus miedos, y sé un hombre): es también y sobre todo un desastre costoso (130 millones) donde el hijo de Smith enfrenta a monos y bestias en CGI, con la ayuda de un pájaro gigante. Cuando lo mejor del espectáculo es un gel express para el césped que recuerda los buenos tiempos de Roland Emmerich, es que estamos muy bajos en la escala del mal.
El fracaso de Después de la Tierra tiene algo sabroso, sobre todo porque todo estaba en su lugar para ofrecer un entretenido survival de ciencia ficción. Salvo que todo es tan flojo y pobre (la mitología tonta resumida en el prólogo) que Los Juegos del Hambre 2 se asemeja a Mad Max: Furia en la Carretera al lado de esto.
Otro argumento de defensa: Después de la Tierra no es una película de Shyamalan. Es una película de Will Smith. Él tuvo la idea, la desarrolló con su compañía Overbrook, encontró al guionista, reclutó al director, y eligió a su hijo Jaden Smith. Shyamalan, en realidad, solo era un técnico al servicio del ego de Will Smith… quien nunca ha digerido el desastre de la película y considera que es el peor fracaso de su carrera.
¿Por qué Después de la Tierra es un enorme fallido ni siquiera gracioso? Se pueden encontrar todos los defectos de Después de la Tierra más risibles que tristes, y por lo tanto más divertidos que decepcionantes, pero también lo contrario. Aparte del primer grado aplastante de la película, los diálogos de un vacío abismal, la trama predecible, la acumulación de clichés, los CGI horribles y el diseño de ciencia ficción demasiado limpio y pulido, lo más lamentable es que simplemente no es una película de M. Night Shyamalan, de la cual solo quedan algunos tics de dirección.
Es más bien un inmenso panfleto a favor del clan Smith, encargado por papá Smith para impulsar a bebé Smith tras sus intentos fallidos de despegar en En Busca de la Felicidad y Karaté Kid. Sin sorpresa, a la producción se encuentra Overbrook Entertainment, cofundada por Will Smith.
Rapidito, un último escueto vistazo a Después de la Tierra. Shyamalan con su interés por explorar la identidad y la masculinidad se siente perdidísimo aquí, y su (dado el contexto) episódico enfoque de la misa de las ciencias en el renacimiento literario ha sido un fallido económico.